Ti må-se Bollywood- og indiefilmer fra det 21. århundre

Ifølge kritikere var 1990-tallet elendig. Men ved årtusenskiftet ble ting bare verre. Akkurat da alle håp gikk tapt, mirakuløst, takket være fremveksten av en ny type indie-skuespillere og regissører, dreide Bollywood mot et seismisk skifte hvis arv former det selv i dag.

Bollywood-filmer

Ta en titt på vårt utvalg av Bollywood- og indiefilmer fra det 21. århundre.

Tenk på «moderne» Bollywood og to filmer skiller seg ut. Begge så uhyrlig forskjellige fra hverandre i sitt emne og visuelle stiler at selve ytringen deres i samme åndedrag kan høres ut som en forargelse for cinefiler. Hold hestene dine. De er Satya og Dil Chahta Hai. Ikke bli overrasket om den første personen som tar anstøt av den erklæringen er Ram Gopal Varma selv, Satyas «tapte geni.» Og mannen som hadde redefinert romantikkens grammatikk helt tilbake på 1990-tallet med Rangeela. Men gi dere et øyeblikk til å la sammenligningen synke inn. Skrap i overflaten og de har noen ting til felles. Satya oppfant praktisk talt moderne Bollywood-realisme. Satt i Bombays gangsterland, var det på ett plan kanskje mer fantasi enn virkelighet. Ifølge mavericken RGV, i dag redusert til å være et spøkelse fra fortiden, ble Satyas grusomhet, som starter med tittelen, påvirket av Govind Nihalanis hjemsøkende Ardh Satya.



Med andre ord, det Satya gjorde med 'realismen' hva Farhan Akhtars Dil Chahta Hai gjorde med urbanismen, en spillskiftende debut som la grunnlaget for hver urbane komedie som kom etter den. DCH imponerte oss med en frisk skildring av urban realisme. Satyas ufine gangstere snakker mye som uhyggelige gangstere kan, med mindre du personlig kjenner en sleip gangster som, som tekstforfatter Gulzar en gang sa, ville påkalle Ghalib i stedet for 'Goli maar bheje mein'. På den annen side var Dil Chahta Hais on-point urbane bon mots sannsynligvis første gang du hørte millennium-talen på en hindi-skjerm. Sprang fra filmen fortsetter å pryde GIF-er og memer.

Drevet av trendy hårklipp (det er det som skjer når kona din eier en salong), Goa roadtrips og elitegutteturer, har DCH, siden utgivelsen i 2001, samlet en stor tilhengerskare. Hvis, til tider, ensemblet som blir voksen (med hovedrollene Aamir Khan, Dimple Kapadia, Akshaye Khanna, Preity Zinta og Saif Ali Khan), med sine høye produksjonsverdier, spiller som en dyr reklamefilm, skylder det på regissør Farhan Akhtar (mine personlig erfaring med privilegier og avvisning å helle inn i manuset) som hadde kuttet tennene i reklame før filmdagene hans.



I dag kan vi ha mistet Farhan Akhtar The Director til, dessverre, Farhan Akhtar The Actor, hans debut kom på et tidspunkt da Bollywood hadde et sårt behov for dristige nye stemmer. Dette var lenge før Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj og andre forkynnere av håp brøt inn på scenen for å gi oss sin egen tolkning av 'kjærlighet' som for å utfordre Bollywood-formelen. Mens Karan Johars glansfabrikker handlet om å elske familien din, opphevet Kashyap, Bhardwaj og lignende den ideen i åpent trass, og foreslo i stedet dysfunksjonelle familier og forhold som sannsynligvis var mer ekte enn Johars designerfølelser.

Hindi-kino gikk i årtusen med Amitabh Bachchan , den største av dem alle, som kjempet for å finne sin tapte mojo via Mohabbatein, fødselen til Hrithik Roshan (også, dessverre, til Amisha Patel i Kaho Naa..Pyaar Hai) og en klassisk Akshay Kumar-Suniel Shetty-leiren kalt Dhadkan, der Bollywoods innbygger Anna hamret bort som en forvirret elsker. Hitsene fra 2000 ble for det meste klippet av samme stoff som de på 1990-tallet, navlestrengen ble til slutt klippet opp av den hellige gral som var Dil Chahta Hai.

emma watson lekket bilder 2017

Tiåret 2000 kan ha hatt en foreløpig begynnelse, men til slutt, som det viste seg, viste det seg å være en uvurderlig æra, som ga oss dusinvis av innflytelsesrike filmer å verne om og tenke på – en arv som fortsetter også i dag. Den mest ekstraordinære utviklingen av hindi-kino fra det 21. århundre er den uventede fremveksten av så forskjellige talenter som Irrfan Khan, Nawazuddin Siddiqui, Rajkummar Rao, Manoj Bajpayee, Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj, Radhika Apte, Ayushmann Ali Khurrana,, Vi Kaushal, for å nevne noen. I et økosystem av nyvunnet frihet og ny hakkeorden, ble hindifilmer en refleksjon av samfunnet vi bodde i og voldsomt personlige uttrykk for de som lager dette kompromissløse kinomerket, og bidro til å forklare en kreativ gjenoppblomstring i Bollywood som tidligere ikke har vært sett. Om det var et tilfelle av endelig å finne pulsen til publikum, en gruppe ukonvensjonelle filmskapere som påtvunget publikummet sin raffinerte, leksikon, eller rett og slett at filmgjengerne ble smarte, det er vanskelig å si. Troen på god kino ble gjenopprettet. Da grensene mellom kunst og kommersiell falt som Berlinmuren, dukket det opp interessante historier ut av ruinene, og brøt alle regler og normer.

Dibakar Banerjee’s Khosla Ka Ghosla (2003), Raju Hirani’s Munnabhai MBBS (2003), Ashutosh Gowariker’s Swades (2004) og Anurag Kashyap’s Dev.D (2009) var noen av hjørnesteinene i det siste tiåret. Filmtyper er ofte på vakt mot reklame, men det er lett å glemme hvor mye reklame har beriket dette mediet. Satyajit Ray og Shyam Benegal burde være nok til å 'name-drop' for nå. I likhet med dem, hjalp Dibakar Banerjees reklamebakgrunn ham å bryte seg inn i filmer. En mild komedie som umiddelbart fikk debutanten til å sammenligne med verkene til Hrishikesh Mukherjee, Khosla Ka Ghosla er en del av livet som jevnt og trutt har funnet sitt dedikerte publikum gjennom årene. Men i motsetning til den elskede Mukherjee, har den andre Bengalis karriere skapt en fristende annen fremtid siden.

Kom i 2005, og du har gamle garde Sudhir Mishra som leverer sitt beste. Hazaaron Khwaishein Aisi, som er like full av Marx og Ghalib, kombinerer regissørens tvillingpasjoner – poesi og politikk. At vi levde i betydningsfull tid kunne bedømmes ut fra det faktum at det var mulig for Dibakar Banerjee og Anurag Kashyap å lage filmer sammen med sine forgjengere som Mishra og Mira Nair. Forresten, Nair brakte inn tiåret med Monsoon Wedding, en crossover-klassiker fra 2001 som, ifølge kritikeren Philip French, var hennes beste film siden hennes minneverdige debut i 1988, Salaam Bombay!

De ti titlene våre gjenspeiler vårt forsøk på å kutte ned det beste fra tiden etter 2000, inkludert nyere som Piku, Mukti Bhawan og Dangal. Svært aktive og likevel mer saktegående enn hans jevnaldrende, Sanjay Leela Bhansalis Padmaavat og Bajirao Mastani er med på listen vår. Disse to magnum-opusene er best representanter for SLBs store sensibilitet, visuelle stil, hans fine øre for musikk og selve hans evne til å fremmane skjønnhetsvisjoner. Ett historisk epos om gangen.

Ved siden av eposene er undervurderte små filmer som noen av dere kanskje har gått glipp av ved første utgivelse. Vi lar deg oppdage dem, sammen med de kjente. Vær gjerne uenig.



Padmaavat (2018)



'Allah ki banayi har nayab cheez par sirf Alauddin ka haq hai' - Alauddin Khilji

padmaavat

Deepika Padukone og Shahid Kapoor i Padmaavat. (Foto: Bhansali Productions)

De beste Sanjay Leela Bhansali-filmene er ofte, i hjertet, dødsdømte kjærlighetstrekanter – Hum Dil De Chuke Sanam, Devdas, Saawariya og Bajirao Mastani. Top-lining Deepika Padukone, Shahid Kapoor og Ranveer Singh, Padmaavat er ikke annerledes. Som alltid setter Bhansali seg for å lage et magnum opus og oppnår det nesten denne gangen. Du kan se SLB-berøringen i nesten alle bilder, nøye utformet som et barokk veggmaleri som forteller sagaen om krigerdronningen Padmavati (Deepika Padukone) og kong Ratan Singh (Shahid Kapoor) hvis eneste formål er å minne seerne om de mange egenskapene ( guroor, usool etc) som definerer Rajput-stolthet. Gå inn på Alauddin Khilji, spilt av Ranveer Singh, Bhansalis favorittmuse. Khilji er en inntrenger, i ekteskapet deres og i India, med onde design på begge. Fra den tiden Bhansali introduserte ham kvinnelig på dagen for ekteskapet hans, vet du at Khilji er uforutsigbart ekkelt, men merkelig spennende. Bhansalis gullgutt spiller den mektige utfordreren til Delhi Sultanate med en blanding av gimmicky camp og papy-show-trickster. Etter tur blir han et objekt av parodi og medlidenhet, og han vekker nok mørke krefter til å gjøre Padmaavat til sitt ess. Bhansali dobler seg som regissør og musikkkomponist, og bruker drama, scenografi, musikk, stemning og slagkraftige linjer som K Asif er verdig for å lage et umiskjennelig SLB-monument som er like filmisk gåtefull som det er historisk feil.



Mukti Bhawan (2017)

‘Koshish karne se kaun marta hai’ – fru Verma

Mukti Bhawan

Et stillbilde fra Mukti Bhawan. (Foto: Red Carpet Moving Pictures)

Gitt at Shubhashish Bhutianis relativt lave budsjett, ingen stjerne Mukti Bhawan er en meditasjon på 'døden', kan du bli overrasket over å oppdage at den er så full av liv, alt sammen skarpt observert og med en enorm sans for humor. Bhutiani setter det moderne India – med stadig ringende telefoner som forstyrrer de fredelige måltidene for familien, Skype-chatter på nedslitte nettkafeer, jenter som kjører scooter – med det tradisjonelle India og dets faste verdier og ritualer. Filmen åpner med at den aldrende Dayanand Kumar (Lalit Behl) erklærer at tiden hans er ute. Hans pliktoppfyllende sønn, den verdslig kloke Rajiv (Adil Hussain) er en husmann i hinduistisk forstand av ordet. Hvordan legge igjen alt for å følge faren på hans siste reise til frelse? Motvillig, mer av en følelse av plikt enn kjærlighet, samtykker sønnen til en tur til Banaras, den hellige hinduistiske byen hvor Daya har valgt å dø. Tittelen Mukti Bhawan refererer til et travelt gjestgiveri hvor gamle sjeler vandrer inn for å dø, men som gjestgiveren advarer skarpt i starten, har du maksimalt 15 dager på deg til å dø. Etter det? spør en forvirret Rajiv. «Gå hjem!» Bhutiani har en evne til å finne svart humor i de mest dagligdagse situasjoner. Så du får gjestgiveren til å børste bort et nysgjerrig barn midt i å tilby visdomsperler om 'frelse', eller når Rajiv svarer med et skjevt (dette kan være filmens morsomste replikk) Millionærer spiser frukt, ikke vismenn etter farens krav å kjøpe frukt til lunsj etter at den gamle mannen plutselig blir inspirert til å følge kostholdet til en vismann. Rajivs forhold til pappa Daya danner Mukti Bhawans emosjonelle kjerne, og ettersom duoen binder seg sammen (en scene satt på Ganges mens Daya deler hans ønske om å bli gjenfødt som kenguru er symbolsk for den typen humor denne filmen nyter) til tross for Rajivs innledende bekymringer. , blir filmens budskap tydelig: lær å gi slipp.



Dangal (2016)

«Mhari choriyan choron se kam hain ke?» - Mahavir Singh Phogat

dangal billettkontor aamir khan zaira wasim billettkontor

En plakat av Aamir Khan i hovedrollen Dangal. (Foto: Aamir Khan Productions)

Få stjerner vet viktigheten av 'melodrama' og dets nysgjerrige forhold til 'underholdning' i indisk kontekst som Aamir Khan. Det er denne evnen til å lykkes på tvers av høy og lav kunst som har gjort ham til en bokser. I Dangal, et sportsdrama inspirert av livet til bryter-treneren Mahavir Singh Phogat og hans gullvinnende døtre Geeta Phogat og Babita Kumari, vet regissør Nitesh Tiwari like sikkert som Khan og resten av den talentfulle rollebesetningen at dette er en Aamir Khan kjøretøy hele veien. I Rang De Basanti lot Khan andre gutter gå opp og redde dagen. Denne gangen kommer han til å drive klimakset til tross for at publikum heier helhjertet på jentene. Filmens hovedbekymring er hvordan Mahavir (Khan), en liten tid har vært som tømmer rundt akadhas (ringen) og gjør livet til helvete for døtrene sine (sangen Bapu, sehat ke liye tu toh hanikarak hai er jentenes inderlige bønn mot pappas regime), vil piske nybegynnere Geeta (Zaira Wasim, Fatima Sana Shaikh) og Babita (Suhani Bhatnagar, Sanya Malhotra) til en gullvinnende maskin. Filmen begynner med at Mahavir lengter etter en mannlig arving, men når døtrene hans kommer hjem etter å ha grovt opp en lokal gutt, er han rask til å oppdage deres skjulte pugilistiske talent. Som de fleste Khan-publikums-pleasers, er Dangal en emosjonell smack-down som er altfor glad for å kaste inn en snert av sosiale problemer (patriarkatet, kvinners empowerment, institusjonell apati, alt mulig).



Piku (2015)

«Kamaal hai, aap har baat ko pet ke saath kaise jodd dete hain?» – Rana, eier av transportbyrå

piku film

Deepika Padukone og Amitabh Bachchan i Piku. (Foto: MSM Motion Pictures)

Sist gang Amitabh Bachchan spilte Bhaskar Banerjee var i Anand, en ikonisk tragikomedie fra 1971 som signaliserte starten på hans usedvanlig lange omganger. Mer enn fire tiår senere vender Bhaskar tilbake som en hypokondrisk far til tusenårige Deepika Padukone i denne delen av livet. Regissør Shoojit Sircar og skribent Juhi Chaturvedi er fans av Hrishikesh Mukherjees varme og daglige komedier. I Piku fungerer Bachchan som en kobling fra en fjern fortid, en betimelig påminnelse om at Hrishikesh Mukherjee for lengst er borte, men hans innflytelse er veldig levende og sparkende hos nye filmskapere. (Khosla Ka Ghosla kan fungere som en fin dobbeltregning med Piku). Legg merke til den milde ironien: i Anand var Bhaskar en lege mens Pikus Bhaskar (eller Bhashkor, som filmen foretrekker å kalle ham) er den typen allsidig gal hattemakerpasient som ville drive Anands seriøse og sjenerte lege Bhaskar opp på veggen. Han er overdrevent besatt av fordøyelsen - som de fleste bengalere tilsynelatende er. Sircar kontrasterer den irriterende og overdrevne Bhaskar med den stille og viljesterke reserven til datteren hans, Piku (Padukone). Denne filmen handler om deres usannsynlige bånd. I en morsom scene prøver Bhaskar å fraråde en ung mann som kan være interessert i henne ved å si: Hun er ikke en jomfru. Han vil ikke at hun skal gifte seg og la ham klare seg selv. Piku handler om familie og foreldreskap (med mye pottesnakk som går ut som en typisk bengalsk humor), men også om omsorg, et emne som Sircar og Chaturvedi ville gjenoppta noen år senere i den ubesungne oktober (2018). Overraskelse: Irrfan Khan og Padukones uvanlige kjemi, mens filmen suser inn i en morsom biltur.

sean astin samwise gamgee


Bajirao Mastani (2015)

‘Aap humse hamari zindagi mang lete hum aapko khushi khushi de dete, par aap ne toh humse hamara guroor hi cheen liya’ – Kashibai

bajirao mastani

Ranveer Singh i Sanjay Leela Bhansalis Bajirao Mastani. (Express arkivbilde).

Helten til Sanjay Leela Bhansalis Bajirao Mastani må bevise at han er verdig tronen til Peshwa. Den skarpe pilen hans sikter mot målet hans og treffer øyet. Objektet er ikke fiendens hode, men en harmløs påfuglfjær. Skjult under er hauger av symbolikk. I Peshwa Bajiraos (Ranveer Singh) fortelling er påfuglen et symbol på Mughal-riket, jorden under er indisk jord mens den dødelige pilen tilhører de tapre Marathas. Påfuglfjæren har symbolsk resonans for hendelsene som skal følge, ettersom den mye gifte Maratha-krigeren faller for den muslimske Mastani (Deepika Padukone). Dette er et klassisk Bhansali-konsept – setter scenen for en stjernekrysset finale. Hver bemerkning og argumentasjon i Bajirao Mastani kommer med piggene med tveegget katarsis. Som Mastani minner Bajiraos kone Kashibai (en glitrende Priyanka Chopra), holdt han hånden min, men forlot aldri din og knyttet et bånd med meg mens han sikret at din ikke ble brutt. For Kashibai var dette en forbannelse lenge underveis. Det er en fantastisk scene i begynnelsen når hennes enke venn som bærer ektemannens aske, advarer henne om at hun, i likhet med henne, en dag ville lide for kjærligheten. Der er du, den typiske SLB pining, pine og tap - hver karakter går gjennom det, for 'trekanten' er ikke annet enn en sirkel av smerte og ekstase.



Court (2014)

«Tøffe tider er her/Vi er rykket opp fra vår jord/Denne epoken med blindhet/Har stukket øynene våre» – Narayan Kambles poesi (Sambhaji Bhagat)

Court, National Film Award, 62nd National Film Award, Chaitanya Tamhane,

Retten er regissert av Chaitanya Tamhane. (Foto: Zoo Entertainment Pvt Ltd)

Det indiske rettssystemet er kjent tregt. Chaitanya Tamhanes debut observerer den indiske jakten på rettferdighet med kjølig løsrivelse. Kameraet følger ikke bare det som foregår inne i retten, men også utenfor, inn i livet og sinnet til rettferdighetens portvoktere. Sosialaktivist og protestsanger Narayan Kamble blir arrestert for selvmordet til en kloakkarbeider, som ble inspirert til å ta livet sitt etter å ha lyttet til en av Kambles oppløftende folkesanger. Mye av denne undervurderte og reservefilmen finner sted i rettssalen i Mumbai, da Kamble blir innkalt til høringen. En av de mest fascinerende karakterene er forsvarsadvokat Vinay Vora (Vivek Gomber), som, selv om han representerer den lavere kasten Kamble, ikke kan fjernes mer sosialt fra ham. Priviligert og en mann med raffinert smak (en elsker av ost og vin og jazz), hvordan kan han virkelig anse seg selv som en forkjemper for de fattige mens han selv lever et slikt eliteliv? Til sammenligning lever statsadvokat Nutan (Geetanjali Kulkarni) et enklere liv, og legemliggjør middelklassens alminnelighet som setter henne i samme sosiale klasse som Kamble. Tamhanes syn på juss og lovgivere er satirisk og empatisk på tur, men den eneste tingen som er avgjørende for suksessen er hvor observerende og objektiv den viser seg å være. Godt spilt (for det meste en nybegynnerbesetning) og tankevekkende, Court er en triumf av naturalismen.



The Lunchbox (2013)

'Kabhi kabhi galat train bhi sahi jagah pohocha deti hai' - Shaikh

irrfan khan

Irrfan Khan i et stillbilde fra The Lunchbox. (Express arkivbilde)

‘Ensomme sjeler møtes over indiske tiffin-bokser.’ Det var slik The Guardian hilste Ritesh Batras festivalfavoritt, med den formskiftende Irrfan Khan i hovedrollen overfor Nimrat Kaur og en kommende Nawazuddin Siddiqui. Den indiske kritikeren Baradwaj Rangan var mer kreativ. Spise, gå bort, elske, oppsummerte han. Ellers kjent for sin effektivitet, leverer Mumbais store dabbawala-tjeneste den rykende varme lunsjboksen til enkemannen Saajan Fernandes (Khan) i stedet for sin rettmessige eier, husmor Ilas (Kaur) ektemann. Dabbawalas sjeldne forfall resulterer i en av de mest sjarmerende kjærlighetshistoriene du vil se på hindi kino, et tilbakeslag til den enklere estetikken og den uvanlige livsstilen som kan gjøre Mumbaikars litt nostalgisk. I et India Today-intervju ga Batra litt innsikt i leveringsfeilen. Det er magiske realistiske elementer ispedd historien. Publikum kan trekke sine egne konklusjoner, men jeg tror ikke det (leveringsfeil) er en feil. Jeg føler det er et mirakel. The Lunchbox er filmet med det sakte tempoet til en roman (som gir mulighet for nyanserte karakterskisser), og er et mesterlig utstillingsvindu for Irrfan Khans ferdigheter når han prøver å skildre det indre livet til en daglig kontorbruker som kanskje har glemt meningen med håp , kjærlighet og selve livet. Ila hisser opp de sovende følelsene sine, og etter en lang utveksling av hemmelige brev gjemt inne i matboksen, tar de fremmede endelig mot til seg for å møtes. En av gledene med The Lunchbox er den usannsynlige sammenkoblingen av Irrfan Khan og Nawazuddin Siddiqui, men når du ser filmen, kan du kanskje ikke gjette den symbolske bortgangen av fakkelen – heller ikke ville en uskyldig seer være i stand til å forutsi Nawaz' store oppgang til stjernestatus . Dette er en film om poetisk, uten fanfare ordinæritet, kjedelighet og sus i upretensiøse liv og deres lengsel, vår tids Chhoti Si Baat, Baton Baton Mein og Wagle Ki Duniya.



Ship of Theseus (2013)

‘Hamare har kaam ka prabhav kaal akash par rehte har parmanu pe padhta hai’ – munk Maitreya

Ship of Theseus

Et stillbilde fra filmen Ship of Theseus. (Foto: Recyclewala Films)

Da wunderkind Anand Gandhis Ship of Theseus kom ut i 2013, erklærte Shekhar Kapur, Sudhir Mishra og Dibakar Banerjee seg umiddelbart som fans. Ship of Theseus er kontemplativ og høyprydet og henter sin kraft fra begrepene filosofi, identitet, etikk og religion. For en filmskaper som var så ung (Gandhi var bare 33 år da den ble utgitt), var det litt av en munnfull. Inspirert av Plutarchs lignelse som stiller det uvanlige spørsmålet: ‘Hvis alle skipets deler blir erstattet over tid, er det virkelig det samme skipet?’ Ship of Theseus gjør tankeeksperimentet til en avhandling som bruker organdonasjon for å understreke menneskets valg og moral. Utfolder seg i tre parallelle plott, og den første viser en blind fotograf (Aida El-Kashef) som er i ferd med å forsone seg med funksjonshemmingen hennes. Deretter møter vi den kjærlige Jain-munken (Neeraj Kabi som Maitreya) som er fanget mellom å forene eksistens og overlevelse med sin trofaste moralske etikk og ideologi som truer livet hans. Den vise mannen kjemper for å redusere «lidelse» av noe slag, og nekter behandling med den begrunnelse at medisinene er testet på dyr. Hva med volden du begår mot deg selv ved å ikke ta medisin, argumenterer Charvaka, en ung advokat som er frustrert over Maitreyas gjenstridige syn. Fra Maitreyas synspunkt ligger svaret på det tunge spørsmålet om 'meningen med livet' i opplysning og eventuell frigjøring fra livets og dødens evige lidelse. Den tredje – og mest beslektede episoden – tilhører aksjemegleren Navin (Sohum Shah), som søker forløsning, legger ut på en reise helt til Sverige for å hjelpe en fattig mann med å få nyren tilbake. Alle tre hovedpersonene har, i likhet med det skjebnesvangre skipet, sett kroppsdelene deres endre seg. Men hvem vet, litt av deres opprinnelige jeg lå begravet et sted i ruinene av deres nye kropper? Visuelt sublimt, full av intelligente ideer og cerebrale argumenter og en hyllest til kino som et kar for tanke og filosofi, skaper Ship of Theseus et puslespill om livet og eksistensen og dets mysterier og betydninger. Se også: Rahi Anil Barves Tumbbad (2018) fra Gandhi-stallen er en visuell fest, en gotisk myte som blir levende.



Hazaaron Khwahishen Aisi (2005)

«Det er derfor jeg ikke kan forstå at dere rike barn spiller dette «la oss forandre verden»-spillet. Mens du leter etter en vei ut, leter jeg etter en vei inn’ – Vikram

hazaron khawishin

Chitrangada Singh og Shiney Ahuja i Hazaaron Khwaishein Aisi. (Express arkivbilde)

Den drømmende øyne, kampherdede Sudhir Mishra kjempet for 'indie' lenge før begrepet fikk valuta. Og likevel har den sølvhårede, karismatisk springende filmskaperen måttet kjempe for relevans nesten hvert tiår. Ingen antyder at alle filmene hans er gode – han innrømmer at noen er halki (lette) – men de han er mest kjent for har overlevd tidens tann. Disse inkluderer Dharavi (1991) og kulten Yeh Woh Manzil To Nahin (1987) og Is Raat Ki Subah Nahin (1996). Hazaaron Khwahishen Aisi er uten tvil den mest gjennomførte av partiet, en film så intenst personlig som politisk som klarer å slå den rette tonen mellom anarkiet og romantikken til Mirza Ghalib og naxalismens malplasserte idealisme og følelsesmessige vold. Hazaaron Khwahishen Aisi, med tett lag og godt spilt, forteller om livene til vennene Siddharth (Kay Kay Menon), Vikram (Shiney Ahuja) og Geeta (Chitrangada Singh).

Sosialisten Siddharth gjør opprør mot sin privilegerte bakgrunn for å få inn revolusjonen. Vikram er trolig hans motpol – en forsømt sønn av en rik far som ønsker å bli rikere. Han blir til slutt en mektig fikser i Delhi-kretsene. Mer balansert av de to, Geeta er deres distraksjon. I sin første utflukt har Chitrangada Singh en slående likhet med den store Smita Patil som får deg til å lure på om Hazaaron Khwahishen Aisi ble laget på 1980-tallet, med Patil rollebesetning overfor Naseer-Om Puri hva slags film det ville blitt til. Ønsketenkning!

I mellomtiden liker Mishra å legge alle de tomme samtalene om revolusjon, sosial rettferdighet, likhet og forandring inn i karakterenes munn. I scener som kanskje gir mer gjenklang i dag, åpner han filmen i en JNU-lignende setting, der barna til Bob Dylan og Jimi Hendrix danser og drikker hele nettene selv mens de hever «laal salaams» og drømmer om fred og velstand, som den kyniske Vikram uttrykker det. Mishras skjeve humor er vakkert integrert i manuset. For eksempel scenen der en rik huseier som lider av et hjerteinfarkt godtar å bli behandlet av en lege i lavere kaste, en arving som fortsatt tror på sosialisme, men som ikke kan kaste bort rikdommens pynt, eller når Vikram tisser under åpen himmel, synger, Hvis det er lykke, er det dette. Filmen er sterkt drevet av nostalgi. Det er både en eleganse og eleganse til 1970-tallets drøm og dekadanse, en generasjon jeg elsket, også generasjonen som mislyktes, fortalte Mishra en gang til Outlook magazine, og la til: Dessuten er det også skjønnhet, ungdom og lidenskap. Og når den blekner, består ideen om kjærlighet fortsatt. Ikke rart, de kaller ham en 'uhelbredelig romantiker.'

100 Bollywood-filmer du kan se i din livsserie | 10 sosialt relevante filmer fra Bollywood | 10 essensielle hindi-krimthrillere | 10 bok-til-film-tilpasninger | 10 parallelle kinoklassikere | 10 Bollywood gangsterfilmer



Dil Chahta Hai (2001)

‘Hum cake khaane ke liye kahin bhi jaa sakte hai’ – Sameer

dil chahta hai

Akshay Khanna, Saif Ali Khan og Aamir Khan i Dil Chahta Hai. (Express arkivbilde)

Vennskap, bilturer, voksende alder og dysfunksjonell familie er kjernen i Farhan og Zoya Akhtars kino, og Dil Chahta Hai er deres suverene prestasjon. Mer enn det handler filmen egentlig om 'kjærlighet' - og hvordan hovedpersonene reagerer på den. Akash (Aamir Khan) er motvillig til kjærlighet. Hva er alle disse kjære greiene? spør han den sprudlende Shalini (Preity Zinta). Hun går ut på ham og trekker på skuldrene, du får det ikke. Sameer (Saif Ali Khan), derimot, forveksler forelskelse med kjærlighet. Mer moden av de to, den reserverte Sid (Akshaye Khanna) er den eneste som virkelig forstår betydningen av kjærlighet. Hans kjærlighet til den mye eldre Tara (Dimple Kapadia) stikker dypt, noe hans familie og venner ikke helt forstår med det første. Farhan Akhtars lanseringsplate inneholder ingen filosofiske funderinger over naturen til vennskap og kjærlighet, men trekker de rette følelsesmessige slagene. 19 år senere er den like frisk og morsom som alltid.